Xavier Ribera-Vall: “SWEENEY TODD es una obra de ingeniería perfecta”

El 15 de octubre se re-estrenó en Madrid SWEENEY TODD, el aclamado montaje del musical de Stephen Sondheim y Hugh Wheeler que Mario Gas dirigió hace trece años en Barcelona.

Para esta nueva producción Gas ha contado prácticamente con los mismos actores protagonistas que ya interpretaran años atrás los personajes principales del musical: Joan Crosas como Sweeney Todd, Vicky Peña como Mrs. Lovett, Teresa Vallicrosa como Beggar woman, Esteve Ferrer como Adolfo Pirelli, Pedro Pomares como Alguacil Bamford,y Xavier Ribera-Vall como el despiadado Juez Turpin.

Xavier Ribera-Vall, cuenta con más de 20 años de experiencia en musicales, habiendo participado en montajes como MAR I CEL, FLOR DE NIT, GUYS AND DOLLS o GAUDÍ. El barítono catalán nos explica más detalles sobre su reencuentro con SWEENEY TODD.

HA PASADO YA MÁS DE UN MES DESDE EL RE-ESTRENO DE SWEENEY TODD EN MADRID, ¿QUÉ VALORACIÓN HARÍAS DE ESTAS SEMANAS DE FUNCIONES?
No puede ser más positiva. Lo más importante, aparte de los comentarios de la crítica correspondiente, es la conexión tan fuerte que hemos logrado de nuevo con el público, y la cohesión que ha tomado la compañía (actores, músicos y equipo técnico del Teatro Español). Vamos juntos y hemos captado el mismo concepto de la obra que Mario Gas nos ha sabido hacer entender. Eso se ha logrado trabajando en equipo como nunca antes había visto.

EN LA FUNCIÓN DE ESTRENO EL PÚBLICO SE MOSTRÓ ENTUSIASMADO, COMENTANDO QUE EL MONTAJE TENÍA LA MISMA ENERGÍA QUE EN LA ANTERIOR PRODUCCIÓN, ¿A QUÉ CREES QUE SE DEBE LA MAGIA QUE SE TRANSMITE SOBRE EL ESCENARIO?
Hay varios factores. La obra es magnífica, musical y teatralmente. Es una obra de ingeniería perfecta, un argumento lleno de todas las emociones posibles y una música que acentúa de manera magistral esos momentos.
La dirección es impecable, al servicio del texto y, aunque no este bien el decirlo yo, el casting es acertadísimo, sin ningún tipo de grieta en los 21 interpretes que estamos sobre el escenario. Eso permite al público relajarse y dejarse llevar por esa magia que tu describes.

EL PASADO VIERNES 21 DE NOVIEMBRE TUVO LUGAR EN EL ESPAÑOL UN ENCUENTRO ENTRE INTÉRPRETES Y PÚBLICO. ¿CÓMO FUE? ¿QUÉ PIENSAS SOBRE ESTE TIPO DE INICIATIVAS?
La experiencia fue todo un éxito. El público, que llenaba el Teatro, estaba con muchas ganas de preguntar, y eso denota que habíamos removido mucho en su interior y que habíamos provocado mucha curiosidad. Para mi, ese es el objetivo del teatro, de algo que esta pasando en el momento.  Creo que ayudo a que pudieran entender todo el proceso de creación de un musical de estas características, muy complejo en todas sus facetas.

¿HAS NOTADO QUE EL ESPECTÁCULO HAYA EVOLUCIONADO DE ALGUNA MANERA EN TODOS ESTOS AÑOS?
El espectáculo ha evolucionado directamente proporcional a nuestra evolución particular como cantantes y actores. Son muchas obras en estos trece años, con personajes muy diversos y, sin darte cuenta, vas adquiriendo experiencia con el día a día.
La sensación, que comentamos con los “antiguos”, es que los personajes de cada uno están más llenos de posibilidades, con más colores donde escoger en cada momento y eso, para nosotros, hace que el trabajo sea muy interesante y novedoso cada día. En este aspecto diría que este SWEENEY TODD está rejuvenecido.

EL JUEZ TURPIN ES UNO DE LOS PERSONAJES MÁS DESPIADADOS DE SWEENEY TODD, ¿CÓMO OS PLANTEASTEIS CON MARIO GAS LA PREPARACIÓN DEL PERSONAJE? ¿LE ENCUENTRAS ALGUNA VERTIENTE POSITIVA?
Con Mario empezamos a trabajarlo como un viejo corvado y decrepito, iba con bastón y casi no podía caminar. Con los días y ante el hecho de que mi complexión es de mucha envergadura, me propuso darle un giro total. Quitamos el bastón, lo pusimos lo más erguido posible y un tono vital alto. La referencia que me dio Mario en ese momento era el porte de Ralp Richardson en la película LA HEREDERA (1949). En cuanto a la escena de la flagelación, recuerdo que la trabajamos una tarde mas de seis horas hasta que encontramos lo que ahora veis. Fue evolucionando desde elementos escénicos (Biblia, reclinatorio…) hasta la simplicidad de luz y música, que me da mucha más libertad que el movimiento por el escenario. Recuerdo a los dos arrastrándonos por el suelo en busca de algo que nunca se había hecho antes, algo nuevo que, sin duda, ha valido la pena, pues se conserva fresco como el primer día. Es una escena compacta, “rara” dentro del contexto del musical y que me pone a prueba cada día, unos días con mejor suerte que otros pues es un “solo ante el peligro” muy arriesgado. Es el reto más grande al que nunca me he enfrentado, más incluso que el dia que debuté en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona junto a Mirella Freni, Jaume Aragall y Nicolai Ghiaurov, por ejemplo.

CUANDO TE PROPUSIERON VOLVER A HACER EL PERSONAJE Y VOLVER A PARTICIPAR EN LA PRODUCCIÓN… ¿TE IMAGINABAS (O SABÍAS) QUE LA MAYORÍA DE COMPAÑEROS DE REPARTO REPETIRÍAN TAMBIÉN? ¿QUÉ SUPUSO PARA TI ESTE REENCUENTRO?
Es lo primero que pregunté. Si estaríamos la mayoría de los compañeros de la primera producción. Al ver que si, que salvo Muntsa Rius, Pep Molina y Maria José Peris, los demás estarían, me alegré muchísimo, y ya no tuve ninguna duda de que alcanzaríamos la potencia del anterior montaje. A esto se une la relación personal que durante estos años hemos ido manteniendo, con unos más que con otros, evidentemente, pero siempre sabiendo los unos de los otros, con lo que todo ayuda a que sea una fantástica y única experiencia profesional unido a un retomar relaciones humanas entrañables.

LOS QUE SÍ SE HAN INCORPORADO SON LOS INTÉRPRETES QUE DAN VIDA A LOS PERSONAJES MÁS JÓVENES, COMO M. DEL MAR MAESTU O RUTH GONZÁLEZ, ¿QUÉ DESTACARÍAS DE SU TRABAJO?
Su respeto y admiración por el trabajo hecho en la producción del 1995, mezclado con un camino que ha conducido poco a poco a integrarse perfectamente en la idea que Mario Gas ha tenido siempre de su puesta en escena y, además, empezar a entender que este musical rompe esquemas previos. Aquí no cabe el decir yo vengo de aquí o vengo de allá, que si la Ópera o el Lied o la pachanga, aquí lo que vale es servir un texto con una técnica vocal que esta al servicio de hacer fácil el “difícil” lenguaje de Stephen Sondheim para que el público disfrute y se deje llevar.

SI TUVIERAS QUE QUEDARTE CON ALGÚN MOMENTO DE SWEENEY TODD, ¿CUÁL ESCOGERÍAS?
Personalmente, con la CANCIÓN DEL JUEZ ( Mea culpa / Johanna). Es dónde mi personaje se define, donde abre el amplio abanico de torturas internas y donde aplico toda mi experiencia en un espacio reducido y limitado por una luz tenebrosa. Ahí es donde soy más feliz.
Y en general, todo el tramo final desde la llegada de la mendiga a la barberia en la segunda parte hasta el ultimo acorde. El clima que crea Sondheim en este fragmento es de una maestria y precisión increíble.

DESPUÉS DE REPRESENTAR TANTAS FUNCIONES DE SWEENEY TODD, SEGURO QUE HABRÁS VIVIDO MOMENTOS MALOS Y BUENO SOBRE EL ESCENARIO… ¿NOS PODRÍAS DESTACAR ALGUNO DE ELLOS?
De momentos malos mejor no acordarse, pero siempre están relacionados con algún problema técnico, enfermedad o desajuste puntual de este engranaje perfecto que es SWEENEY TODD. Sin ir más lejos el otro día en la escena final con Sweeney donde me degolla, accione sin querer la palanca de la silla antes de tiempo y casi me deslizo hacia abajo desde la barberia…y la altura es considerable! por suerte Joan Crosas me cogió bien fuerte! fue , digamos, una muerte trabajada…
Momentos buenos, los que más. Yo diria que cada dia que conectamos con el público es un buen momento. Y eso sucede casi siempre, o sea, que estoy de suerte.

¿HAS TENIDO LA OPORTUNIDAD DE VER ALGÚN OTRO MONTAJE DE SWEENEY TODD QUE SE HAYA REALIZADO FUERA DEL PAÍS? ¿QUÉ TE HA PARECIDO?
Vi en DVD la versión original de Landsbury y Cariou y  la última versión en concierto de Patti Lupone y George Hearn (un cantante que me encanta). Me gustaron muchísimo. Ah! y a mi la película de Tim Burton me encantó. Son visiones distintas pero de todas se aprende algo nuevo.

DURANTE LA ESTANCIA DE SWEENEY TODD EN BARCELONA, SONDHEIM ASISITIÓ A UNA DE LAS FUNCIONES, ¿CÓMO VIVISTE AQUEL DÍA? ¿QUÉ TE SORPRENDIÓ MÁS DE ÉL?
Lo viví con los nervios a flor de piel pero a la vez con una alegria y un honor inmenso. Personalmente, guardo en un lugar especial la dedicatoria que me escribió diciendo que yo era el mejor juez Turpin que había visto nunca (“The best judge Turpin, ever!!) y se arrodilló delante de mi llamándome “Sir” para saludarme. Son recuerdos que me han acompañado siempre en los malos momentos para no hacerme desfallecer.
Me sorprendió su humildad, aunque siempre he creído que como más grande es el personaje más asequible se muestra. Incluso vino a cenar con toda la compañía a una pizzería como uno más. Es un lujo que me encantaría se pudiera repetir. Nunca se sabe.

CON MARIO GAS HAS TRABAJADO TAMBIÉN EN GUYS & DOLLS Y BRETCH X BRETCH. ¿QUÉ DESTACARÍAS DE ÉL COMO DIRECTOR?
Mario es un hombre de teatro, un apasionado de su trabajo, con una trayectoria incomparable y con un gran amor por el trabajo con y para el actor. Tiene un sentido común brutal hacia donde te conduce para crear el concepto exacto que él tiene de las escenas. He aprendido tanto con él! Siempre que vuelve a necesitar de mi trabajo he tenido un alivio en mi interior como la agradable sensación que se tiene al volver a casa. Es muy exigente y te hace crecer humana y artísticamente.

LA SITUACIÓN DEL GÉNERO EN NUESTRO PAÍS HA CAMBIADO MUCHO DESDE EL ESTRENO DEL PRIMER MONTAJE HASTA AHORA… ¿QUÉ PIENSAS SOBRE ESTA PROLIFERACIÓN (RELATIVA) DE MUSICALES EN CARTEL?
Me parece fantástico mientras estén bien hechos. En Londres, Nueva York, Paris, etc… se hacen todo tipo de montajes. En Paris, por ejemplo, desde Piaf a Grease, que se va a montar próximamente. Lo importante es darle dignidad. Como me dijo un dia en ANGELS A AMÉRICA el gran actor Joan Borrás: “no hay grandes o pequeños papeles, sino grandes y pequeños actores”. Esto se puede transpolar a todo el contexto de musicales que hay actualmente.

CUENTAS CON UNA LARGA EXPERIENCIA EN EL GÉNERO. TAMBIÉN FORMASTE PARTE DEL REPARTO DE OTRO MONTAJE QUE SE REVISITÓ AÑOS DESPUÉS DE SU ESTRENO: MAR I CEL DE DAGOLL DAGOM. AUNQUE EN ESTE CASO INTERPRETASTE A PERSONAJES DIFERENTES EN LAS DOS PRODUCCIONES, A FERRAN EN 1989 Y HASSÉN EN EL 2004. ¿CON CUÁL DE ESTOS DOS PERSONAJES DISFRUTASTE MÁS? ¿QUÉ SUPUSO PARA TI PARTICIPAR EN ESTOS DOS MONTAJES?
De disfrutar disfruté más con Hassén, pero con Ferràn me di de bruces con lo que era el trabajo de actor de musical. El primer día de ensayo con la compañía vi a Joan Crosas cantando la CANCIÓN DE HASSÉN, tirándose por el suelo, llorando, sufriendo, con una fuerza brutal, y quedé impactado. Yo acababa de terminar la carrera de Canto en el Conservatorio y de empezar a cantar Ópera, Lied y Oratorio ( por aquella época acababa de cantar el MESSIAS de G.F. Haendel, por ejemplo ). Yo iba muy puesto con mi etiqueta de cantante lírico. Me dije: “déjate de tonterías, con esquemas previos elitistas, de músico culto, y déjate llevar por el texto, la acción y el compartir con los compañeros, o de aquí no sales con éxito y a lo mejor ni con vida…”.
Por todo esto, el papel de Ferrán es el más determinante en mi carrera, el que marca el inicio de toda esta trayectoria hasta hoy. Creo que salí airoso de ese primer reto, y con los 22 años  de profesión he ido aprendiendo y tomando conciencia de estos primeros conceptos sobre el escenario en más de 3500 funciones.

CON DAGOLL DAGOM TRABAJASTE TAMBIÉN EN FLOR DE NIT, UN MUSICAL DE ALBERT GUINOVART Y MANUEL VÁZQUEZ MONTALBÁN QUE RETRATABA LA BARCELONA ANTERIOR A LA GUERRA CIVIL. ¿CÓMO RECUERDAS LA EXPERIENCIA?
Es un musical muy bonito, variado, quizá un poco demasiado largo, pero con momentos de gran belleza. Allí pude dar vida, por primera vez desde un principio, a un personaje. Fue el empresario Arrufat, algo que en MAR I CEL no había podido hacer pues entré para sustituir a Miquel Peralta, el Ferrán original.