Nacido en Puerto Rico, Luis Salgado vio su sueño hecho realidad cuando estrenó en Broadway IN THE HEIGHTS, el aclamado musical de Lin-Manuel Miranda del que fue asistente del coreógrafo y formó parte del elenco desde sus inicios. Toda su vida ha estado dedicada al mundo del baile y la interpretación y, tras años de trabajo, comienza a ser una destacada figura latina entre el star-system de Broadway.

Actualmente interpreta a Malik en WOMEN ON THE VERGE OF A BREAKDOWN, la adaptación musical de la película ‘Mujeres al Borde de un Ataque de Nervios’ de Pedro Almodóvar, que se estrenó en el Belasco Theatre de Broadway el pasado 4 de noviembre producida por el Lincoln Center y dirigida por Bartlett Sheer.

Luis Salgado nos habla sobre su trabajo en este nuevo musical y sobre su carrera artística como intérprete y coreógrafo, así como sobre sus nuevos proyectos dentro del mundo de la dirección y de la producción.

¿CÓMO VALORARÍAS EL PROCESO DE ENSAYO DE ‘WOMEN ON THE VERGE OF A BREAKDOWN’?
Ha sido un trabajo de amor. El Lincoln Center cree mucho en el proceso y el desarrollo artístico y le ha dado al director, Bart, la libertad de ejecutar su visión sin interrumpir el proceso y sin limitarlo. Le ha dado la libertad de crear el show que vislumbró. Bart estuvo siempre pendiente de hacer realidad la visión de Almodóvar en la película. Pasaron muchas horas trabajando para que el espectáculo fuera fiel al guión original y para que la adaptación fuera lo más legítima posible al trabajo original. Ha sido un proceso arriesgado y yo he visto a un director muy comprometido con su trabajo, con jugar, explorar, correr riesgos, hacer cambios… Ha sido excitante ser parte de todo eso.

TRABAJAS JUNTO A UN REPARTO ESTELAR, LIDERADO POR PATTI LUPONE, SHERIE RENE SCOTT Y LAURA BENANTI, ¿QUÉ DESTACARÍAS DE ELLAS?
Todas son increíbles. Para mí trabajar con ellas ha sido, más que un honor, una escuela porque el compromiso que tienen con su trabajo es increíble. El primer mes de ensayos llegaba a mi casa con la boca abierta. Cuando todavía no estaba claro hacia qué dirección nos íbamos a dirigir, las tres estaban súper comprometidas con crear ideas todo el tiempo, y todo esto, como actor, lo absorbes y te beneficias de ello. Para mí, personalmente, con los planes de dirección y coreografía que tengo, fue una escuela ver cómo este nivel de artistas se compromete con el trabajo.

EL MUSICAL VIVIO SU NOCHE DE ESTRENO EL PASADO 4 DE NOVIEMBRE ¿CÓMO LA VIVISTE? ¿CUÁL FUE LA REACCIÓN DE PEDRO ALMODOVAR TRAS VER EL ESPECTACULO?
¡Imagínate! Una de las cosas más bonitas que hubo en el teatro fue la entrega de la “Gypsy Rope”, que se la dieron a mi compañero de camerino Julio Agustín, que tiene seis créditos de ensamble en Broadway. Cuando llegó ese momento es cuando llegó Pedro Almodóvar al teatro…. Julio estaba haciendo toda la tradición teatral sobre el escenario y Pedro aplaudiendo y dándole palmadas en la espalda. Lo teníamos ahí, celebrando con nosotros lo que es la experiencia del teatro musical. Fue una experiencia bien linda.
Antes del estreno en Nueva York nos hizo saber lo satisfecho que estaba con el trabajo realizado y nos dio su aprobación.

¿CUÁLES SON LAS PRINCIPALES DIFERENCIAS ENTRE LA PELÍCULA Y EL MUSICAL?
Bart ha logrado mantener a Almodóvar físicamente en todo lo técnico. Es decir, la locura abstracta que Almodóvar crea, la estaba haciendo Bart en la forma en que la escenografía entraba, en la forma en que las proyecciones complementaban la escena, en la forma en que los tracks se utilizan para entrar y sacar la escenografía… Y todo eso mantiene esta cosa abstracta que es parte del estilo de Almodóvar. Mientras que en la forma musical se delinean un poco más los que son los problemas principales de la obra… En la película a veces no los tienes claros hasta el final, porque es parte del juego de Almodóvar, y aquí, para poder seguir la secuencia en teatro musical, se dejan las cosas claras más pronto, como el embarazo de Pepa…

ASÍ QUE LOS ESPECTADORES QUE CONOZCAN LA PELÍCULA DISFRUTARÁN DE LA MISMA MANERA DEL ESPECTÁCULO…
Yo creo que más. La gente que conoce la película disfruta más. Evidentemente se puede ir a ver el musical haber visto la película. Pero si la has visto, hay tantos elementos originales de la película: como la cama en fuego, las tomas de la motocicleta… que son muy fieles a nivel visual… Y yo creo que los que han visto la película disfrutan mucho más.

LA CRÍTICA NO HA SIDO DEMASIADO BENEVOLENTE CON EL MUSICAL, ¿QUÉ PIENSAS SOBRE LOS ARTÍCULOS PUBLICADOS?
Una cosa bien importante en el teatro musical, que se mantiene también como tradición, es que el trabajo que uno hace, es el trabajo que uno hace. Cuando llegan las críticas, sean buenas o sean malas, tan sólo sirven para vender más la función… Si son buenas sirven para decorar las marquesinas del teatro… Pero a nivel del trabajo como tal, uno como artista, especialmente en Nueva York que es una ciudad tan complicada, se tiene que proteger haciendo su trabajo. Una de las reglas que tenemos es no hablar de las críticas en el teatro, ni entre nosotros los actores, para evadir cualquier prejuicio hacia nuestro propio trabajo y más aún, cualquier cambio de esencia y de forma en lo que se está haciendo en el escenario. En este sentido no afecta directamente a nuestro trabajo, ni al de ninguna persona involucrada con el espectáculo. Parte de la misión del Lincoln Center es tomar riesgos, como lo es presentar en Nueva York esta obra de Almodóvar; y el poder llevar a cabo este riesgo es lo que nos llena 100%. Obviamente si está un periodo más o menos largo en Broadway en base a la crítica lo tenemos que descubrir y ver qué ha de pasar.

UNA ACTITUD MUY INTELIGENTE, SABER EVADIRSE DE LOS COMENTARIOS NEGATIVOS AJENOS…
En mi trayectoria he tenido muchos casos de los que he aprendido, gracias a Dios. Uno de los primeros shows que iba a hacer en Broadway era MAMBO KINGS. Uno de los comentarios que se escribían en los blogs de Broadway era “ese show está lleno de latinos, nunca llegará a Broadway”. Imagínate cómo se puede sentir uno como actor latino al escuchar eso. Finalmente la obra no se estrenó, y esta fue la motivación más grande que yo tuve para abrir una compañía que tengo aquí en Nueva York que se llama R.Evolucion Latina… Así que, a veces, las mejores cosas surgen de comentarios necios. Con IN THE HEIGHTS nos pasó lo mismo. Cuando empezamos las personas escribían cosas como “esa obra no es real, eso no es una experiencia latina” y yo no podía creer que la gente dijera eso.  Al final IN THE HEIGHTS se ha convertido en un espectáculo de referencia, que ganó varios Tonys… Y si nos basáramos en las críticas iniciales, nunca pensarías que esa obra hubiese llegado a significar tanto para la comunidad teatral y para la hispana.

HABLEMOS DE TI. NACISTE EN PUERTO RICO, ¿CÓMO LLEGASTE A NUEVA YORK Y COMO EMPEZASTE A TRABAJAR EN BROADWAY?
Fue todo bien raro. Yo crecí haciendo teatro y bailando en la escuela pública, con un maestro que me dio la oportunidad de empezar a descubrir lo que eran las artes. Se convirtió rápido en mi pasión… Cuando él ya no era mi maestro, creamos una compañía de ballet folklórico puertorriqueño. Ahí empecé a trabajar con él, y a convertirme un poco más en líder y a desarrollar coreografías para la compañía. Él me empezó a llevar a las clases de ballet y de jazz del área metropolitana, cuando tenía 15 años. A los 17 conseguí comercialmente empezar a trabajar con artistas como Jailene Cintron, Olga Tañón, o Gilberto Santa Rosa… Este trabajo comercial me dio una exposición ante mi comunidad y en cuanto abrí una escuela de baile, se convirtió en una de las más conocidas de mi pueblo. Empecé con 8 estudiantes y llegué a tener 300 en tres años. Empecé a viajar con estos estudiantes, a traerlos en Nueva York, y ahí empecé a descubrir mi interés por el teatro musical y por contar historias. Estuve dos años más con mi escuela, dejé la universidad, y me mudé a Nueva York con el sueño de trabajar en Broadway… Unos añitos después, ¡aquí estamos!

TU PARTICIPACIÓN EN ‘IN THE HEIGHTS’, DEL QUE FORMASTE PARTE DEL ELENCO ORIGINAL, MARCÓ UN PUNTO DE INFLEXIÓN EN TU CARRERA…
Es complicado explicar lo que supone IN THE HEIGHTS para mí, porque incluso ahora que estoy haciendo el musical de ‘Mujeres al Borde de un Ataque de Nervios’ mi corazón sigue un poco con IN THE HEIGHTS… y saber que van a cerrar el 9 de enero… Llevo más de cinco años con IN THE HEIGHTS, y esta semana decoré mi apartamento con unos cuadros que me regalaron en mi despedida… Tengo mucha nostalgia… Es como el cordón umbilical, que hay que cortar porque si no se para el crecimiento… Pero a la vez esta nostalgia es la que nos enseña a decir que hay teatro como éste que hay que seguir desarrollando, que es necesario.

PARALELAMENTE A TU TRABAJO EN ‘IN THE HEIGHTS’ CREASTE LA ORGANIZACIÓN R.EVOLUCIÓN LATINA, ¿QUÉ NOS PUEDES EXPLICAR DE ELLA? ¿CON QUÉ OBJETIVOS NACIÓ?
Es nuestro bebé. En realidad inspirado en lo que comenté antes de MAMBO KINGS. Queremos reflejar que nuestra comunidad no está representada por personajes que tienen un cuchillo en la mano, como Bernardo de WEST SIDE STORY. Bernardo fue creado hace 50 años por un americano. Ni siquiera eso, lo creó Shakespeare, porque estamos hablando de ‘Romeo y Julieta’. No representa nuestra realidad de hoy. Me encantaría que en los próximos 10 o 20 años pudiéramos contar nuestra verdadera realidad, que es muy diferente. No podemos permitir que el mundo vea nuestra comunidad latina como a ese Bernardo el resto de nuestra vida. Por eso fundé R.Evolución Latina, con la idea de motivarnos como comunidad a hacer todo lo mejor que podamos.

TRAS ‘IN THE HEIGHTS’, EL PASADO MES DE AGOSTO PARTICIPASTE EN ‘THE CAPEMAN’. ¿CÓMO VALORARÍAS TU PASO POR ESTA PRODUCCIÓN?
Yo celebro mucho la vida y trato de ser bien consciente de lo que pasa a mi alrededor… Así todo toma mucho valor. THE CAPEMAN era un show que, aunque tuvo también malísimas críticas cuando estuvo en Broadway, fue uno de los primeros que llamó mi atención. Yo estaba en la sala de mi casa, mi mamá estaba cocinando, y yo estaba viendo las noticias de ‘Primer Impacto’ donde salía una entrevista con Ednita Nazario y Marc Anthony. El corazón se me hinchó al ver que unos artistas así estaban cantando en un show de Broadway y yo decía “yo quiero estar ahí”… Y así fue… El poder estar en el teatro donde Raul Julia desarrolló magistrales piezas, y donde el Public Theatre con Joe’s Pub le dieron tantas oportunidades a tantos actores y crearon tanto teatro bueno para dar al público gratuitamente … ¡No puedo pedir más! ¡Fue todo un orgullo! Que Diane haya tenido la opción de presentarlo de forma diferente, haciendo que Salvador Agueron no fuera tratado como un asesino, sino centrándose en la visión de la madre, que sufre la realidad de su hijo… La forma en que ella cambió la manera de contar esta historia, fue también para mí formar parte de una obra de arte.

DURANTE ESTOS AÑOS HAS DESARROLLADO TU TRAYECTORIA ARTÍSTICA COMO COREÓGRAFO Y CÓMO INTÉRPRETE, ¿QUÉ DISFRUTAS MÁS DE CADA UNA DE ESTAS FACETAS?
Es una pregunta difícil. Son pasiones diferentes y crean agonías y éxtasis diferentes. Creo que me preocupo más por las críticas cuando mi trabajo es como creativo. Es más complicado porque es saber si la forma en la que yo estoy tratando de explicar una historia es relevante para la masa o para unos pocos, y qué tipo de impacto deja el mensaje que estoy tratando de transmitir. Cuando trabajas con una obra pones en ella tus caprichos artísticos. La obra puede ser ‘Romeo y Julieta’, pero tú quieres transmitir otro mensaje también. Puedes poner tu propia perspectiva –la de ser humano y la de artista– en lo que es la historia. El proceso creativo es más sufrido; hay una vulnerabilidad mayor. Como artista trato de dejar que las personas que están creando jueguen conmigo. Es una forma muy diferente. Disfruto las dos y las dos se complementan. Creo que soy mejor coreógrafo porque soy artista, y que soy más accesible como artista porque soy coreógrafo.

ESTÁS TRABAJANDO EN OTROS PROYECTOS, UNO DE ELLOS UN NUEVO MUSICAL…
Tengo la dicha y la locura de tener un producto muy lindo de Hernán Galindo de México que se llama LOS NIÑOS DE SALT. Y hay un joven, con el que estoy muy encariñado, que se llama Jaime Lozano, de Monterrey (Méjico), que ha confiado en mí para todo. Estoy con mi nueva compañía, Salgado Productions, produciéndolo; y como artista estoy dirigiéndolo y coreografiándolo. Es una pieza abstracta, un poco oscura, donde el mensaje está basado en la historia bíblica de la esposa de Lot. Me interesa la pieza, porque me parece que ofrece una oportunidad de hacer referencia a la necesidad que tenemos de vivir el presente. Es uno de esos caprichos artísticos. A veces vivimos muy pendientes del futuro o muy pendientes del pasado. Esta es la historia de un hombre que vive completamente en el pasado y no puede sobrellevar los obstáculos y las frustraciones que de niño tuvo. Me parece una oportunidad interesante, como director, para llevar el mensaje de la necesidad que tenemos de dejar el pasado a un lado –especialmente cuando ha sido tan difícil– y tomar lo que tenemos hoy ante nosotros.

Luis Salgado en una escena de WOMEN ON THE VERGE OF A BREAKDOWN